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12 artistas que tal vez no conozcas pero definitivamente tienes que ver en el Corona Capital 2022

En cada festival musical, sin importar el lugar o la hora, los posters con el line-up incluyen a lxs headliners hasta arriba en las letras más grandes, acaparando la mayoría del espacio. Tiene sentido: son los nombres por los que el mayor número de personas están dispuestxs a pagar por ver. Pero en cada caso, a esas letras enormes las sostienen una base hecha de artistas increíbles confinadxs a letras pequeñitas. Como preparación para el corona, aquí en Revista Cluster nos reunimos para armar una lista para dar a conocer justamente a esxs artistas que quizás no se han ganado el privilegio de las letras grandes en el póster del line-up, pero que definitivamente deberías aprovechar para ver este 18, 19 y 20 de noviembre. Ahí nos vemos.


Viernes 18

Raveena

Escenario Corona Agua Rifada, 4:20-4:50

Raveen Aurora es de esas artistas que rezuman carisma sin esfuerzo alguno. Desde sus primeros lanzamientos, su música es un cáliz rebosante de su personalidad efervescente, especialmente en las canciones de su más reciente álbum, Asha’s Awakening (2022), su encanto es simplemente irresistible. Un concept album sobre una princesa punjabi del espacio explorando un planeta desconocido en busca de autoconocimiento, la voz cálida de Raveena siempre carga consigo una sonrisa implícita que, junto con la instrumentación brillante y dinámica, te invita a abrir tu corazón a la magia de su música y unirte a la diversión.

Raveena y su banda descenderán desde las estrellas al Escenario Corona Agua Rifada para bendecirnos con su mezcla fresquísima de R&B y pop soleado y acogedor. Será un rato placentero y acogedor, con el ambiente íntimo que el conjunto trae a sus presentaciones en vivo. Personalmente no puedo pensar en una mejor forma para inaugurar un fin de semana tan emocionantes que de la mano de Raveena, guiándome a través del cosmos. —Mathias Ball Escamilla

Recomendamos: Raveena - Full Performance (Live at KEXP)


Underscores

Escenario Viva Tent, 4:30-5:15

Underscores es una de las bandas que más han pasado desapercibidas en el cartel del Corona, pero realmente vale la pena escuchar este proyecto de Devon Karpf. El caos de Underscores te lleva de un extremo a otro en una divertida montaña rusa musical que, inspirada en el hyperpop y artistas como 100 gecs, se atreve a combinar géneros y estilos de formas poco convencionales. Dentro de esta mezcla innovadora también se encuentran los sonidos familiares del emo, punk, EDM y pop. Sus álbumes te transportan repentinamente entre estos matices, como si hubieran arrojado a una batidora todos estos elementos y estuvieras tomando un licuado con un sabor extraño pero fascinante y reconfortante, con un toque de esto y aquello: una creación que no te explicas cómo funciona, pero lo hace .

Underscores le da un giro a todo eso que ya conocíamos para volvernos a presentar a nuestros viejxs amigues. Si la música queer emo dubstep suena como algo interesante o simplemente te da curiosidad escuchar música con influencias de Skrillex combinado con la colaboración de Travis Baker, puedes salirte un rato de lo preestablecido y escuchar Underscores en el escenario Viva Tent. —Perla Sánchez

Recomendamos: “Spoiled Little Brat”.


L.S. Dunes

Escenario Vans, 5:00-5:40

Durante la pandemia, Anthony Green (voz), de Saosin y Circa Survive, junto con Tucker Rule (batería) y Tim Payne (bajo), de Thursday, se reunieron desde la virtualidad con Frank Iero (guitarra rítmica), de My Chemical Romance, y Travis Stever (guitarra principal), de Coheed & Cambria, para formar un súpergrupo con el cual mantener el flujo creativo durante el confinamiento. De esta manera nació L.S. Dunes, como una propuesta colectiva que hiciera frente a sus limitaciones individuales.

La banda es un homenaje a la escena post-hardcore con influencias emo del noreste estadounidense, en la que crecieron dichos integrantes con sus proyectos más conocidos durante la primera década de los dos mil. Su propuesta musical es una amalgama de todas las influencias que frágilmente unían el sonido de aquellas bandas que se impulsaron a la fama mutuamente. L.S. Dunes llega como una nostálgica —pero emocionante y energética— aventura que busca refrescar los clichés de esa época para tratar temas de actualidad con crítica y un poco de agresividad, sin dejar de lado la importancia melódica en la composición.

L.S. Dunes aterriza en México con su álbum debut Past Lives recién salido del horno, y acompañarán a My Chemical Romance para hacer del primer día del Corona Capital una verdadera fiesta emo. —Er Yáñez

Recomendamos: “Permanent Rebellion”.


Wallows

Escenario Corona Agua Rifada , 5:30-6:10

Wallows se presentaron al mundo en 2017 con “Pleaser”, una rolita de power pop muy movida y con una cualidad que inmediatamente te pone de buenas. Power pop quizá sea la forma más acertada de describir su música, pero en realidad han incursionado en varios géneros musicales como el rock alternativo y post punk.

Para quienes crecieron escuchando pop rock en los 2000, su música probablemente sea un verdadero deleite, ya que todos sus integrantes son de esa época y sus influencias se notan bastante en su música: con frecuencia se escuchan notas de Arctic Monkeys, The Strokes y Arcade Fire, aunque The Libertines son el referente más recurrente.

Si estás buscando algo de rock tranquilo con guitarras poderosas, riffs pegajosos y letras tremendamente introspectivas y con una especie extraña de melancolía memorable con la que es sencillo identificarse, no te los pierdas durante el primer día del Corona. Fun Fact: su cantante interpretó a Clay en 13 Reasons Why, pero no dejes que eso te cause cringe cuando los escuches. —Diego Zinker

Recomendamos: Tell Me That It’s Over.


Mitski

Escenario Corona Agua Rifada, 8:40-9:40

Mitski se presenta actualmente con el show de su último álbum, Laurel Hell (2022). Un espectáculo con un sinfín de texturas musicales de tragi-pop y punk rock, con una tendencia hacia lo melodramático, pero también muy conmovedor y triunfante. La crudeza palpable del desenvolvimiento escénico de Mitski sólo le ha ganado más adeptxs, ya que el hecho de no ser una bailarina profesional invita a que los cuerpos de todo tipo se muevan al unísono durante sus shows y bailen al ritmo liberado de la tensión que emerge entre sus letras refinadas y quejumbrosas.

La artista de origen japonés ha sido bautizada por algunxs fans como “la reina de la tristeza queer moderna”, un papel que la inquieta al grado que ha expresado su incomodidad ante la idea de que las personas busquen en ella orientación (“Preferiría no tener que sufrir y luchar para ser valorada”).

El mundo ya está ardiendo, así que prepárate para entrar en un espacio de libertad donde podrás gritar y enterrar a tus demonios internos. Conectarás con esa parte de ti que quiere rugir, pues de la presencia magnética de Mitski emergerán las palabras furiosas y viscerales que no habías encontrado para expresarte. —Samuel Sánchez

Recomendamos: “Working for the Knife”.


Sábado 19

Empress Of

Escenario Viva Tent, 3:30 - 4:10

Desde siempre he disfrutado tremendamente escuchar la música de artistas que sean amigues, algo que disfruto aún más si los estilos musicales en los que se desenvuelven no son los mismos; no sé, creo que me hace pensar en lo mágicas y complejas que son las amistades y eso me caliente el corazoncito. Fue mediante este proceso que conocí a la inigualable Empress Of, alias musical de la artista hondureña-estadounidense Lorely Rodríguez, amiga íntima de la también inigualable SASAMI. Sin embargo, a diferencia de su amigaza amante del corno y las posibilidades actuales del rock, Rodríguez ubica su quehacer musical dentro del pop, en el cual emplea elementos electrónicos cálidos y beats inevitablemente bailables para expresarse sobre amor, sensualidad y vulnerabilidad.

El Corona Capital 2022 no será la primera vez que Empress Of viene a México —grabó su Me, su debut, en nuestro país en el 2015—, pero sí la primera vez que tenemos el gusto de verla presentarnos su propuesta de pop alternativo tan infeccioso. Así que aprovechen la presencia de una artista tan talentosa y divertida, y lleguen temprano al Corona el sábado; asegúrense de ir hidratadxs, porque con Empress Of no hay de otra más que mover el cuerpo. Y si aún no están del todo convencidxs, Carly Rae Jepsen la ama: acaba de concluir su gira estadounidense/canadiense en la que Empress Of fue telonera en 25 de las 26 fechas. ¿Qué tal ese sello de aprobación? —Mathias Ball Escamilla

Recomendamos: Save Me EP.


Beach Bunny

Escenario Corona, 3:50 - 4:20

De todas las bandas que vienen al Corona, Beach Bunny es de las que más me emocionan. Sus letras son muy honestas y retratan a la perfección cómo se siente ser inundadx por las inseguridades, así como las crisis existenciales de la adolescencia y la juventud temprana. Además, embonan perfectamente con la voz punk rasposa de su cantante principal Lili Trifilio, al igual que con sus guitarras super distorsionadas y líneas de bajo características del punk pop.

Sus tocadas suelen ser muy energéticas porque su música se presta muchísimo para eso. Tienen vibras de Blink-182, pero para mí la mejor forma de describirles sería como happy sad rock ya que caen en esa zona ambigua de bandas que puedes escuchar cuando estás bajoneade y sólo quieres gritar una rolita triste, pero también funcionan como música para bailar, saltar y gritar a un ritmo rápido. Fun Fact: Se volvieron virales porque su canción “Prom Queen” explotó en Tik Tok. —Diego Zinker

Recomendamos: “Prom Queen”.


black midi

Escenario Vans, 4:00-4:40

Cuando entré a la universidad, mi sueño era tocar en una banda que mezclara los sonidos que influyeron en mi gusto por la música alternativa en toda su disparidad: que tuviera las intenciones jazzísticas-progresivas de bandas británicas setenteras como Henry Cow o Soft Machine y las conjuntara con el interés por lo electrónico y abrasivo del Krautrock de Faust y Can, pero manteniendo una actitud fresca, como el post-punk primigenio de Suicide o Lydia Lunch o Swans, sin pretender demasiado (ajá). Sobra decir que todos mis intentos por tener esa banda fracasaron estrepitosamente y no merecen la pena ser buscados. Pero, si quieren una imagen de a qué sonaría ese conjunto ideal de influencias, de sonidos disparejos pero bellos, composiciones complejas sin llegar a ser hartantes, deben ir al Corona para ver a black midi.

Con apenas tres discos en su haber (Schlagenheim, 2019; Cavalcade, 2021; Hellfire, 2022), la banda londinense se ha posicionado en un lugar particular dentro de los renovadores del rock contemporáneo, compartiendo escenario muchas veces con Black Country, New Road, sirviendo como backing band del legendario Damo Suzuki, y demostrando ser ejecutantes virtuosos de múltiples instrumentos.

Los black midi centran sus obras siempre en la variedad. Sus conciertos suelen estar llenos de texturas, de energía y de paisajes sonoros que aseguran una experiencia singular, cambiante. Si quieren refrescarse los oídos con sonidos nuevos pero extraños, ajenos pero estimulantes, corran a ver a esta banda antes de correr hacia los Arctic Monkeys este sábado 19. —Cruz Flores

Recomendamos: Live at KEXP, Schlagenheim.


Ibeyi

Escenario Corona Agua Rifada, 4:30-5:10

A pesar de llevar más de nueve años creando fascinantes experimentos sonoros, Ibeyi, tristemente, sigue siendo uno de los titulares en letras pequeñas en festivales. Formado por las hermanas Lisa-Kainde y Naomi Díaz, Ibeyi son un dúo musical que mezcla sonidos afro-caribeños con rock alternativo, creando himnos cuasi-religiosos.

Ibeyi es una mezcla perfecta entre tradición e innovación. Sus letras rozan en temas post-coloniales constantemente, llevándonos por un viaje audio-sensorial que casi se vuelve visual debido a la fortaleza de cada línea. Mediante el uso ejemplar de sus voces y la mezcla de varios lenguajes (inglés, francés, español y yoruba), ambas hermanas nos acurrucan en un susurro personal que toca temas complejos como la muerte, la herencia y sus raíces culturales.

Su álbum más reciente, Spell 31, es una metáfora y una oda hacia la pregunta existencia del “algo más”. No es religioso ni mágico, simplemente, es un argumento hacia el poder (y la necesidad) de la creación creativa. Su mensaje es fuerte, sencillo y directo.

Hace unos días encontré un bar escondido en el norte de Londres. En el ático, hay un museo de curiosidades, lleno de muñecas voodoo, esqueletos falsos, cartas de tarot y parafernalia que combina lo absurdo con lo siniestro. La música de Ibeyi se siente un poco así, como un secreto que crece, bajo las calles y que atrae sólo a unos cuantos, a aquellos que se atreven a lanzarse al vacío de ese misterio. Es un secreto que se pasa de boca a boca “in sacred scriptures”, a sabiendas del riesgo: una posible obsesión.

Es un secreto que espero también te atrape a ti. —Luisa De la Concha

Recomendamos: "Made of Gold".


Domingo 20

The Linda Lindas

Escenario Vans, 4:00-4:40

El punk no está muerto y son este joven cuarteto conformado por cuatro chicas asiático-estadounidenses y latinas de entre 11 y 17 años. Si crees que por su edad no estarán a la altura de los grandes actos del Corona, estás equivocadx. The Linda Lindas derraman energía y pasión en cada canción, cantando acerca de las emociones más crudas de crecer y de la ira de sentir que no perteneces. El video que se hizo viral de esta banda tocando “Racist Sexist Boy” en una biblioteca escolar evoca toda la rebelión y poder que tienen las adolescentes. Con sus presentaciones llenas de energía y teenage angst, The Linda Lindas se aseguran de que sus voces sean escuchadas y le dicen

“Poser

Riffraff

Jerkface

Hater

Racist, sexist boy” a cualquiera que vuelva a subestimarlas por su edad, género o raza. —Perla Sánchez

Recomendamos: "Growing Up"


Betty Who

Escenario Viva Tent, 5:50-6:40

Jessica Anne Newham, bajo el nombre artístico Betty Who, se ha empeñado durante casi diez años en hacer un sonido pop un tanto fuera de lo común, en el mismo campo que artistas como Robyn, Tegan & Sara o New Order. La propuesta de Betty Who se volvió muy digerible para la audiencia de hace una década pero también encajó perfectamente en las estéticas y expectativas del club nocturno LGBTQ+, una comunidad en la que el proyecto también ha creado lazos por medio de colaboraciones con artistas como Troye Sivan y Pabllo Vittar, así como por componer el tema principal de la reencarnación de Queer Eye.

A pesar de todo esto, Betty Who ha prevalecido en relativa oscuridad, sin embargo pareciera que es a través de la influencia de sus primeros materiales —Take Me When You Go (2014) y The Valley (2017)— que artistas como Carly Rae Jepsen o Hayley Kiyoko han podido transformar las expectativas de un dance pop mucho más comercializado. El nuevo álbum de Betty Who, BIG! (2022) le hace justicia a su nombre y lleva el synth-pop a otro nivel, digno de un rato de baile en la decimosegunda edición del Corona Capital. —Er Yáñez

Recomendamos: “I Love You Always Forever”


Men I Trust

Escenario Bosque, 6:00-6:40

Descubrí esta banda con Oncle Jazz (2019) gracias a las recomendaciones de Spotify durante la pandemia. Recuerdo haberlo escuchado en repetición durante un tiempo, ya que era justo lo que necesitaba: un sonido que va entre un indie como de ensueño y lo-fi electrónico, que abraza el oído y lleva inevitablemente a una desconexión del espacio exterior; la voz suave, casi susurrada, ondea en conjunto con armonías simples marcadas por teclados y guitarras distorsionadas que a su vez juegan en un constante contrapunto con las inquietas líneas de bajo.

El sonido no fue el mismo desde un principio. Si bien se puede apreciar el camino en el que la agrupación iba dirigido en los primeros dos álbumes (Men I Trust, 2014; Headroom, 2015), todavía no encontraríamos la alineación actual (Dragos Chiriac en teclados, Jessy Caron en guitarra y bajo, y Emma Proulx –última en incorporarse– en la voz y guitarra). Por lo mismo, todas las canciones tienen featurings de distintxs vocalistas que simplemente aparecían por los tres minutos que durara su participación. Hasta el momento, la alineación actual cuenta con un álbum de grabaciones en vivo y uno de estudio, así como muchos sencillos que no aparecen en ninguna de las anteriores; en éstas, continúan explorando nuevas sonoridades, sensaciones y ritmos. Pero lo principal sigue ahí, inconfundible. —Mariana Sánchez

Recomendamos: “Tree Among Shrubs”







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